Nous avons souhaité commencer notre voyage dans les musiques des résidents étrangers à Crémone et ses environs par un épisode spécial, consacré aux "chansons d'affection".

C'est une manière concrète de comprendre à quel point la musique peut jouer un rôle fondamental dans notre vie, quelles que soient ses typologies. Traditionnelle, pop, religieuse, locale, globale... Tout contribue à nous faire sentir partie d'un lieu, à nous rappeler des personnes et des endroits lointains, des temps passés, et à nous faire ressentir des émotions...

Nous avons impliqué dans cette aventure celles qui, au fil du temps, sont également devenues des amies : Ecaterina Pislariu, Shpresa Minina, Olga Kichma, Simrat et Gulraaj Kaur.

Nous leur avons demandé de nous parler de deux morceaux : l'un qui les lie d'une certaine manière à leur lieu d'origine, l'autre à leur présent à Crémone.

Elles ont toutes été extrêmement généreuses et nous ont beaucoup émues !

Vous trouverez ici des informations plus techniques sur les chansons que vous avez entendues dans le podcast, afin de mieux les comprendre. Nous suivrons l'ordre dans lequel nos amies sont apparues dans le podcast.

Nous commençons donc avec Ecaterina Pislariu, qui nous a présenté "Bate vântului dorului" de Nicolae Sabău comme une chanson d'affection liée à son pays d'origine, la Roumanie, et "Roată, roată măi flăcăi", une composition qu'elle a elle-même réalisée très récemment.

"Bate vântului dorului" (Le vent de la nostalgie souffle) fait partie de l'album "Cântec pentru neamul meu" (édition CD 2012) et de la version originale en LP de 1977 avec Electrecord. Le texte célèbre le lien profond entre une mère et son fils, évoquant l'image du vent qui apporte avec lui la nostalgie ("dor") vers la mère lointaine, et appelant une tourterelle à lui porter ce message d'amour.

Le morceau appartient au genre que les spécialistes définissent comme la "muzica populară", c'est-à-dire une réélaboration moderne de la "muzica tradițională", la musique de tradition orale, transmise de génération en génération et liée à des fonctions rituelles, agraires ou communautaires.

La "muzica populară" puise ses racines dans la "muzica tradițională", mais elle est fortement stylisée pour être plus efficace dans des contextes de performance contemporains comme les scènes de spectacle ou les médias. Ainsi, si dans la "muzica tradițională" la forme est libre, adaptable et chaque morceau peut devenir très long par des répétitions variées des phrases mélodico-rythmiques qui le composent, la "muzica populară" est structurée en forme couplet-refrain et est de courte durée (généralement 3/5 minutes). Cela signifie que l'improvisation a un rôle central dans la première, mais qu'elle est très limitée dans la seconde. Si la "muzica tradițională" utilise le violon, la cobză (luth à cordes pincées), la flûte et la contrebasse, la "muzica populară" emploie des instruments plus modernes comme l'accordéon, la clarinette, les synthétiseurs et inclut des sections orchestrales enregistrées.

Bien qu'elle soit principalement jouée pour le divertissement, la "muzica populară" est aussi très représentative des différentes traditions régionales roumaines, du choix des vêtements traditionnels à porter, et du respect des différents styles régionaux.

Nicolae Sabău a été un maître de ce genre, maintenant un style très proche des racines de sa région, le Maramureș, tout en étant influencé par la scène musicale roumaine du XXe siècle. Sabău a publié cinq LP avec la maison de disques Electrecord et de très nombreux enregistrements radiophoniques, et a également fondé un concours folklorique local pour soutenir les jeunes talents.

Nous avons choisi pour vous, avec Ecaterina, cette version sur YouTube : https://youtu.be/TTGD0m9pKQo?si=sW1XG2Y-Fdji1dMw

La deuxième chanson qu'Ecaterina nous a présentée est "Roată, roată măi flăcăi" (Dansez, dansez les garçons) d'Ecaterina Pislariu. C'est une composition d'Ecaterina, interprétée sur l'une des danses traditionnelles de son pays, le mărunțele. Le terme dérive de mărunt (petit) et désigne une danse aux pas courts, rapides et complexes. C'est une danse de couple où les danseurs font des pas rapides sur place en battant du talon et de la pointe du pied, avec des glissements latéraux minimes.

La relation entre la danse et la musique dans la tradition roumaine est profonde, organique et indissociable : la musique ne se contente pas d'accompagner, elle naît avec et pour la danse, et vice versa. Le rythme et la mélodie sont tous deux conçus pour la danse ! Le rythme et le tempo indiquent le type de pas et la vitesse des mouvements, tandis que les phrases mélodiques coïncident souvent avec les phases chorégraphiques.

Il existe 4 types de danses principales : hora, sârba, brâul et mărunțele. La hora est une danse en cercle, où hommes et femmes se tiennent par la main. La version de base implique de petits pas vers le centre du cercle puis vers l'arrière. L'étape suivante implique des mouvements dans le sens horaire ou anti-horaire. À partir de ces pas de base, elle peut se complexifier de manière très chorégraphique. Elle a un mouvement ternaire qui peut être presque lent et accélérer progressivement. La sârba est une danse de couple rapide, basée sur de petits pas sautillants, tandis que le brâul est une danse en cercle ou en demi-cercle exécutée sans se tenir la main, avec des pas rapides et complexes. Elle peut avoir des rythmes asymétriques comme le 7/8 et le 9/8.

Il est important de noter que les danses varient localement. La version de Rachiteni, le village d'origine d'Ecaterina, est visible dans la vidéo qui a été réalisée pour sa chanson ici : https://www.youtube.com/watch?v=sJBn36UJsDM.

Notre deuxième invitée est Shpresa Minina, présidente de l'association Komuniteti Shqiptar Ne Cremona. Elle nous a présenté deux chansons très différentes : "Moj e bukura More" et "Amami amami". La première est une chanson profondément enracinée dans la tradition albanaise, tandis que la seconde est de Mina et Adriano Celentano.

Comme nous l'a expliqué Shpresa, "Moj e bukura More" est la chanson que les Arbëreshë chantaient lorsqu'ils ont quitté la Morée pour se réfugier en Italie après la chute de Corinthe en 1534, aujourd'hui connue sous le nom de Chamérie.

La Morée (nom médiéval du Péloponnèse) n'était pas albanaise au sens politique ou national, mais elle accueillait une communauté albanaise nombreuse et bien établie entre le XIVe et le XVIe siècle. Après la conquête ottomane définitive en 1460, de nombreux Arvanites (comme on appelait les Albanais en Morée) se sont réfugiés sur les îles Ioniennes, en Épire ou en Italie (surtout en 1534, lors de la répression ottomane d'une révolte anti-islamique).

Les réfugiés de cette vague sont les ancêtres des Arbëreshë d'Italie. Ils ont créé de nombreuses colonies en Calabre, Sicile, Basilicate, Molise, Pouilles et Campanie : ces populations albanaises ont pris le nom d'Arbëreshë. L'Arbëria était en effet l'un des anciens noms de l'Albanie, qui sera plus tard appelée Sqiperia par les Albanais. Actuellement, l'Arbëria désigne, sans délimiter de frontières géographiques précises, l'ensemble des régions italiennes où se trouve la présence de communautés albanaises.

Ils parlent l'arbëresh, un dialecte tosk, transmis oralement et liturgiquement (dans les églises de rite byzantin présentes sur le territoire).

Mais revenons à la chanson "Moj e bukura More". À l'origine, elle était chantée lors des fêtes rituelles printanières, dans des lieux panoramiques (ex : les montagnes autour de Palazzo Adriano, Mezzojuso, Contessa Entellina), comme un chant commémoratif et identitaire. Au XIXe siècle, la chanson fut utilisée par le romantisme albanais dans une perspective patriotique et identitaire. Ce mouvement intellectuel a contribué à la construction de l'identité culturelle de la nouvelle Albanie, notamment par la réélaboration des traditions populaires et folkloriques. "Moj e bukura More" est ainsi devenue un pont entre le mythe, la mémoire de l'exil et l'affirmation d'une identité collective.

La chercheuse Eda Derhemi note que la valeur symbolique du chant a évolué : de la nostalgie pour la patrie perdue des Arbëreshë, on est passé à la nostalgie des migrants albanais contemporains, qui y voient un lien entre la "vieille" et la "nouvelle" Albanie.

La recherche a mis en évidence de nombreuses variantes de la chanson (en polyphonie dans le sud de l'Albanie, avec une voix soliste accompagnée d'un çifteli (luth à deux cordes et long manche piriforme) ou d'une lahuta (luth à archet à une corde et manche court) dans le nord, ou d'un accordéon et d'une mandoline chez les Arbëreshë en Italie) ce qui rend difficile d'en établir l'origine exacte. Le refrain Lule Lule semble indiquer une phase plus récente par rapport à la version originale. Il existe également des versions de Lule Lule comme chanson autonome, en plus de nombreuses autres chansons arbëresh qui partagent ce refrain.

La chanson est devenue particulièrement célèbre lors de l'édition 1978 du Festival International du Folklore du Sud de l'Albanie.

La forme de la chanson est typique de la chanson populaire : strophique, avec répétition de vers et d'un refrain. Elle est souvent exécutée dans un tempo lent et ternaire (3/4), utilise des modes modaux, en particulier le mode éolien ou le mode dorien (caractéristiques de la musique balkanique et méditerranéenne) qui donnent une sensation archaïque et mélancolique au morceau. La mélodie se déplace principalement par degrés conjoints, en évitant les grands sauts.

Les phrases sont majoritairement descendantes, renforçant le sentiment de lamentation et de nostalgie.

Elle est souvent enrichie d'ornements vocaux (mélismes), et les arrangements modernes utilisent des harmonies simples, diatoniques, souvent avec des bourdons ou des pédales harmoniques qui évoquent la structure modale originale. Vous trouverez tout cela dans la version que nous vous proposons, réalisée dans le cadre des initiatives Culture en dialogue (www.cultureindialogo.unipv.it), que vous trouverez ici : https://www.youtube.com/watch?v=7sHHYhHGCPI.

Bibliographie : Paolo Martino, Gli Italo-albanesi: storia, identità e cultura di una minoranza, Aracne Editrice, 2014. Francesco Altimari et Giovanna Nanci, La ballata del fratello morto e la cavalcata fantastica, dans Omaggio a Girolamo de Rada. Atti del V Seminario Internazionale di Studi italo-Albanesi sous la direction de Francesco Altimari et Emilia Conforti. Université de Calabre, 2003. Eda Derhemi, La storia della più antica canzone albanese “O e bukura More” e la sua evoluzione. Article paru sur BalkanWeb, 20 septembre 2015. Eqrem Çabej. Tra gli albanesi d’Italia. Studi e ricerche sugli Arbereshee. Sous la direction de Matteo Mandalà, Besa Muci, 2021.

"Amami amami" de Mina et Celentano est sortie le 21 octobre 2016 en tant que premier extrait de l'album Le migliori (Les meilleures, sorti le 11 novembre 2016), dont elle est le morceau d'ouverture. La musique est d'Idan Raichel (artiste israélien), les paroles de Raichel et Riccardo Sinigallia. Arrangeurs : Ugo Bongiovanni et Massimiliano Pani, avec un mixage de Pino Pischetola. Le style musical est un pop classique basé sur des rythmes électroniques en 4/4 marqué, un riff de guitare qui entre immédiatement et introduit une structure couplet-refrain répétée, mais l'inclusion avant la répétition d'un solo d'accordéon joué par Raichel, un hommage évident à "Storia d’amore" de Celentano. Le morceau est en ré mineur (Dm), avec une structure fondamentalement mineure, une caractéristique typique de 8 morceaux sur 10 de l'album Le migliori. La mélodie est caractérisée par l'intervalle de seconde mineure ascendante, souvent glissé, créant un effet instable et plein de pathos. Le refrain, en revanche, est plus affirmé, grâce à l'utilisation d'intervalles de quarte mineure et de quinte juste. Mina et Celentano alternent, commençant souvent sur des notes différentes (une partie sur une gamme, l'autre sur une tierce excédente). Le clip officiel, tourné à Venice Beach (Los Angeles), réalisé par Gaetano Morbioli, est visible ici : https://www.youtube.com/watch?v=rURdB00gUrk

Nous poursuivons notre voyage dans les chansons d'affection de nos invitées avec Olga Kuckma. Olga nous a présenté une seule chanson, représentative à la fois de son passé et de son présent. Il s'agit de "А зорі, та зорі" (A zori, ta zori, Les étoiles, oh les étoiles) du groupe Соколи (Sokoly, Les Faucons).

Dans ce cas également, nous avons une chanson interprétée en duo par un homme, Ivan Marsialko, et une femme, Maria Shalaykevych. C'est une chanson populaire ukrainienne, sans auteur connu, transmise oralement et typique de la tradition de la région historique située entre l'Ukraine occidentale (surtout autour de Lviv) et la Pologne méridionale, connue pendant l'Empire austro-hongrois (jusqu'en 1918) sous le nom de Royaume de Galicie et de Lodomérie, avec Lviv comme capitale culturelle. Une zone qui conserve encore des caractéristiques spécifiques qui se sont maintenues également dans le folk-pop, c'est-à-dire dans la transposition commerciale de la musique traditionnelle. Le folk-pop galicien se caractérise par des mélodies douces et mélancoliques, une forte utilisation de duos homme-femme, l'utilisation d'instruments comme la bandura (cithare, symbole de la tradition musicale ukrainienne, voir https://www.youtube.com/watch?v=AcrRlIR9_Ew), le violon et l'accordéon.

Le groupe Sokoly est originaire de cette région, et leur style allie la tradition ukrainienne galicienne avec des sonorités orchestrales de scène et des influences d'autres genres pop-folk d'Europe centrale. Le texte de "A zori, ta zori" met au centre des images romantiques et naturelles : les étoiles sur la mer bleue, la lune, le contraste entre le couple d'amoureux et le retour à la maison. Dans les années 90, le groupe Sokoloy a rendu cette chanson célèbre dans toute l'Ukraine grâce à un arrangement professionnel, typique de leur talent à fusionner le folk galicien et la performance scénique. La chanson figure sur l'album "Все від Бога" (Tout vient de Dieu) de 1991, produit au Canada. Le groupe Sokoloy a été fondé en 1989 par des musiciens professionnels de la région de Lviv, dirigés par le chanteur et directeur artistique Mikhailo Matsyalko. Dès le début, leur répertoire a été basé sur un riche matériel populaire de Galicie, réinterprété de manière moderne. Dans les années 90, ils étaient acclamés dans toute l'Ukraine, présents de manière capillaire dans les concerts nationaux. En 1999, ils ont effectué une tournée nationale record de neuf mois avec plus de 170 concerts (uaestrada.org). La chanson continue d'être réinterprétée par des groupes modernes et des artistes folk-rock, en maintenant son charme vivant dans les célébrations communautaires et en ligne. Elle est encore souvent jouée lors de fêtes, de mariages et de cérémonies, ce qui en fait une partie vivante de la culture populaire. La version que nous vous présentons a été filmée par la télévision de Lviv lors d'un concert au Théâtre de Lviv nommé d'après M. Zankovetska au début des années 90. https://youtube.com/watch?v=2OrhlOkYjjE&si=pHlElO9UOUe4Ay72

Nous concluons cet épisode avec deux jeunes sœurs, Simrat et Gulraaj Kaur. Toutes deux nées à Crémone dans une famille originaire du Pendjab, en Inde, elles ont grandi entre deux mondes : la culture crémonaise, qui les a accueillies et formées, et la culture sikh, qui continue de les guider dans leur vie quotidienne et leur pratique spirituelle. Simrat a 18 ans, elle est en dernière année d'un institut technique de graphisme et de communication et a récemment été récompensée lors d'un concours littéraire national. Gulraaj, 16 ans, étudie au lycée des sciences humaines. Elles sont toutes deux actives au Gurdwara (temple sikh) de Pessina Cremonese et cultivent une passion profonde pour la musique religieuse sikh, le kirtan, qu'elles chantent et jouent depuis leur enfance. Elles n'ont pas désigné un seul morceau lié au passé ou au présent, mais ont voulu partager avec nous ce qui, dans leur vie musicale, a une signification constante et profonde : les shabad, c'est-à-dire les chants sacrés de la tradition sikh. Ces morceaux, transmis oralement et recueillis dans le Guru Granth Sahib (le texte sacré du sikhisme), sont interprétés dans le kirtan, la pratique de dévotion qui unit le chant et la méditation. Le cœur du kirtan est le simran, la répétition continue du Nom divin, souvent sous la forme de Waheguru, qui signifie "Merveilleux Maître". Le simran est considéré comme une voie pour se rapprocher de Dieu et atteindre un état de bien-être spirituel et mental. Comme le récite un verset du Guru Granth Sahib :

Le morceau qu'elles nous proposent s'intitule "Raam simar raam simar", interprété par le maître Bhai Baldeep Singh Ji, spécialiste du kirtan exécuté selon les raag classiques de la musique indienne. Il s'agit d'un shabad qui invite à méditer constamment sur le nom de Dieu (Raam simar, "médite sur Raam"), à chaque instant de la journée. L'atmosphère du chant est calme et recueillie, enrichie d'ornements vocaux et accompagnée d'instruments traditionnels comme l'harmonium et le taus (luth à archet en forme de paon propre à la tradition sikh). Vous pouvez voir la vidéo complète ici : https://www.youtube.com/watch?v=8a-5PwX0OmM

Bhai Baldeep Singh est un chanteur sikh appartenant à la treizième génération de musiciens de sa famille. Il joue le taus, le jori (un instrument à percussion qui ressemble à une version plus petite et plus aiguë du tabla, car il se compose d'une paire de tambours, un plus grand et un plus petit) et le pakhawaj (un tambour en tonneau à deux têtes, joué avec les mains). Après avoir abandonné une carrière prometteuse dans l'aviation et l'ingénierie aéronautique, il a décidé de se consacrer entièrement à la musique, se spécialisant dans différentes traditions du Gurbani Kirtan, la musique spirituelle sikh. Il est actif en tant qu'interprète, enseignant et chercheur. Sa fondation, la Anad Foundation, s'engage à préserver le son d'instruments rares de la tradition indienne. Vous pouvez écouter Bhai Baldeep Singh dans certaines de ses performances et interviews : Shabad Mooli Dharti Moulia Akaas | Regarder la vidéo Interview sur le Taus | Regarder la vidéo Interview sur le Saranda | Regarder la vidéo

Depuis leur plus jeune âge, Simrat et Gulraaj ont cultivé le chant sacré en famille et dans le contexte communautaire du Gurdwara. Après une première expérience lors d'un camp d'été en 2016, elles ont décidé d'approfondir leur pratique musicale en 2021. Simrat joue de l'harmonium, tandis que Gulraaj, grâce également au soutien de sa famille, a récemment commencé à étudier le taus. Dans leur vie quotidienne, le kirtan est une présence constante : il est écouté à la maison, en voiture, au temple, et ponctue les moments de la journée. Pour les deux sœurs, ces mélodies représentent un lien profond avec leur propre identité et une source d'équilibre, de consolation et de force spirituelle, même dans le contexte multiculturel dans lequel elles ont grandi.